Amandah Andersson: “Jag designar för oss som vill vara lika bekväma som drömska”

Amandah Andersson är konstnären, illustratören och designern som sedan sin examen från Beckmans 2013 hunnit med att klä stjärnor som Linnea Henriksson, systrarna VAZ, Ane Brun och Frida Hyvönen, designa SAS personalens nya scarf, blivit utsedd till Swedish fashion talent 2017 av Swedish Fashion Council, illustrerat för flera tidningar, startat sitt eget märke AMA AWE och ungefär tusen saker till.
Vi mötte upp Amandah och artisten Frida Hyvönen en gråmulen dag i Hornstull för att föreviga det visuella mötet mellan dessa konstnärer samt ställa lite frågor till Amandah.

Hur började intresset för mode?
–Intresset för mode tror jag kom till i kombinationen av att växa upp i en kreativ omgivning, en tidig passion för tecknandet och behovet av eskapism i en liten håla utanför Göteborg. Jag har alltid tyckt om att arbeta med händerna, kanske för att det var det mest naturliga sättet att umgås på i min familj – genom skapandet. Både genom form, måleri, textil & musik.

Du grundade ditt märke AMA AWE 2015, vad står AMA AWE för?
– AMA AWE är en plattform för undersökandet och skapandet av en annorlunda värld än den vi lever i idag. Jag vill genom märket skapa möten och låta fler människor delta och bidra till den organiska utvecklingen av AMA AWE. Det är en värld vi tillsammans skapar, även om jag som designer och grundare i dagsläget skapar riktlinjerna. Därav har jag valt att inte ta mitt egna namn att jobba under, utan istället bygga en form av alter-ego baserat på mitt redan befintliga namn. AMA AWE kommer från början av Amandah kombinerat med mitt andranamn skrivet baklänges.

Kan du berätta lite hur AMA AWE jobbar med slow fashion?
– Mycket av det som driver mina kreativa processer framåt är baserat på en ständig konsumtionskritik, vilket självklart blir väldigt dubbelt att jobba med när en också hela tiden vill att folk ska köpa det man gör, såklart. I grund och botten handlar det inte om en kritik mot själva handlingen av att konsumera, utan hur vi gör det, varför och vad. Jag har själv bestämt mig för att hålla både fysiskt och psykiskt i några år till, både som människa och märke, och det vill jag att mina produkter också ska göra. Att jobba efter säsong och producera nytt och “fräscht” hela tiden fungerar inte för mig, det är ohållbart både gällande funktion och estetik. AMA AWE presenterar en kollektion per år och jobbar under det året mer intimt med just den kollektionen. Vi jobbar också hellre med få och återkommande styles, och blir riktigt bra på dem än helt okej på många tillfälliga. Och idag producerar AMA AWE alla produkter endast i Sverige, med inköp av siden från Kina & ekologiskt digitaltryck i Tyskland. Som litet märke har vi också fördelen att undvika att sitta på lager och kan jobba med on-demand produktion, vilket också gör att vi helt och hållet undviker risken att behöva rea ut överproducerade produktioner. Dock blir slutpriset ett annat än om det vore producerat som fast fashion, men jag hoppas att mina kunder hellre köper en produkt av AMA AWE som de använder livet ut än fem produkter av ett fast fashion märke som de använder några få gånger för att sedan slänga och återigen köpa nytt.

Vem designar du för?
– Svår fråga! Jag skulle säga att jag skapar för min egna skull, väldigt mycket. Får jag inte skapa mår jag helt enkelt inte bra. Och eftersom skapandet är så kopplat till min designprocess antar jag att mycket utgår från mig själv och mina egna behov. Men jag tror inte det är helt fel heller, då mina kunder ofta tycks ha samma behov. Jag designar för oss som vill vara lika bekväma som drömska, lika excentriskt dramatiska som avslappnade och för oss som vill känna sann kärlek till de produkter vi väljer att köpa.

Du gör mycket kläder till artister, hur kommer det sig?
– Som jag nämnde tidigare, så växte jag upp i en kreativ miljö. Många i min släkt är musiker, bl.a min pappa. Min moster är sömmerska och sydde scenkläder till pappas band och jag tror det påverkat en del hur jag sett på kläder. Jag ville tidigt åt en “wow”-känsla, något som fångade betraktaren, och det visade sig ju passa väldigt bra på scen. Men det har också infiltrerat min designprocess genom åren. När jag designar så tänker jag ofta på helheten, lika mycket som på detaljerna. Vilket gör att kläderna i sig blir till ett verktyg i ett större sammanhang, snarare än sammanhangets fokus. De bidrar till en helhetsupplevelse, vilket ändå är grejen med hur många artister presenterar sig. Mina första samarbeten började direkt efter examen från Beckmans 2013, tack vare Linn Delin, som då jobbade på Luger och idag är den del av produktionsbolaget FIFTI. Vi kände inte varandra då, men hon var på min examensvisning och tog kontakt med mig dagen efter för att fråga om jag ville jobba med Linnea Henriksson. Sen dess har hon varit en stor bidragande faktor till mina olika samarbeten, ett stort stöd i uppstarten av AMA AWE och överhuvudtaget en inspirerande kraft.

Hur gick det till när du jobbade med Frida första gången?
– Jag har för mig att det var efter att jag gjort en eller flera kimonos till bl.a Maia Hirasawa och Ane Brun som jag kom i kontakt med Frida. Hon hade sett detta och ville också ha en typ av kimono till sin turné i Ryssland. HBTQ-frågan var (och är?!) ett hett ämne och vi ville ta med regnbågen till Ryssland, helt enkelt, och skapade därför en kimono som mer fungerar som en slags mantel. Den är helt i siden och färgerna utgår från regnbågens färgskala. Jag tycker att vårt samarbete fungerade väldigt bra och hela Fridas aura är så fascinerande. Hon är en magisk varelse och för den här plåtningen för RADAR kändes det perfekt att låta mina kläder återigen låta möta Fridas mystiska väsen.

Hur går det till när du gör costume design åt artister?
– Det börjar oftast med att jag och artisten pratar ihop oss ordentligt. Vad är det som är viktigt och som ska ligga i fokus? Vill man göra ett speciellt statement, bygga ett visuellt universum, skapa en viss typ av rörelse, med mera. Vi pratar också om hur resten av scenen kommer se ut, hur ser bandet ut, vilket ljus kommer användas, är det inomhus eller utomhus, eller för en plåtning? Allt sånt spelar roll. När jag senast gjorde kostym till Ane Bruns turné gjorde vi allt i vitt siden, för att de skulle kunna skapa ett spännande ljusspel istället, så att tyget fick vara som en vit canvas i rörelse. Det blev supervackert! När vi kommit fram till allt praktiskt och estetiskt tar vi alla mått, syr upp prover, testar av, gör om, syr upp på nytt och testar på nytt. Jag brukar jobba med min vän Lisa, som är en fantastisk mönsterkonstruktör, för att vi ska kunna jobba så effektivt som möjligt. Mitt fokus i designprocessen är själva framtagandet av den visuella designen, materialval, materialmanipulationer och styling.

Var kommer inspirationen ifrån?
– Inspirationen som driver skapandet framåt är märkligt nog den väldigt skeva världen vi lever i. Det kapitalistiska systemet som fenomen och verklighet inspirerar mig jättemycket och utgör, i kombination med människans sätt att hantera sin fysiska och psykiska närvaro i detta, ofta basen i min research för hur jag sedan bygger upp mina berättelser som därefter formar kollektionerna. Sedan inspireras jag också såklart av andra kreatörer som lyckats kommunicera ut och bjudna in till sitt egna universum, som t.ex Björk och Henrik Vibskov.

Hur skulle du beskriva din senaste kollektion?
– Den senaste kollektionen för 2018, “Den Passiva Sömnen”, är första kapitlet i den längre berättelsen och manifestet “PLEASE, DON’T SWIPE ME! Upgrade the system. Just do it. (P,DSM! Uts. Jdi.)”. Kollektionen berättar om en smältande värld som fallit i dvala, pågrund av att de fyra gudarna som styr denna värld – gudarna Konsumtionen, Identiteten, Globaliseringen & Tiden – helt enkelt slutat kommunicera med varandra. De jobbar mot varandra, istället för att samarbeta. Detta gör att befolkningen i denna värld hamnat i en psykos baserat på en naiv tro om att allt är som det ska, medan det i själva verket går rakt utför. Färgskalan är drömmigt pastellig, som att vandra i en stereotyp drömvärld, medan kombinationen av rött, gult, vitt och svart försöker agera varningsfärger. Alla print är handmålade och berättar om denna värld i stress, om konsumtionens förtäring av kroppar och själar som desperat vaggat oss in i en passiv sömn.

Tror du att du alltid kommer använda dig av mycket färg och mönster?
– Haha, ja, jag förstår att du frågar. Det är ju väldigt återkommande i allt jag gör.. Mina kollektionskoncept kommuniceras oftast ut i mönstrena och färgerna spelar alltid olika symboliska roller i dessa mönster, så antagligen kommer det att fortsätta så. Men det betyder ju inte att det alltid kommer vara mycket färg, det beror helt på vilket koncept det är och om konceptet kräver endast vitt som färg så kommer det ju att bli helt vitt. Det beror helt på vilken berättelse kollektionen handlar om.

Vad har du för framtidsmål/drömmar? 
– Framtidsmål för AMA AWE 2018 är att utöka produktionen samt att lansera märket, till att börja med, i Los Angeles.

 

http://www.amandahandersson.com
https://www.instagram.com/ama.awe.official/